“¿Por qué no existe hoy un Mozart, un Beethoven, un gran clásico de la música clásica contemporánea?”.
Es una pregunta común en nuestros días.
Hay una respuesta corta:
Vivimos tiempos distintos.
También una aproximación más profunda:
Del siglo XVIII hasta principios del XX existió un idioma ideal: la tonalidad.
Mozart, Beethoven y cualquier compositor que nació durante ese lapso de 300 años escribió, a grandes rasgos, música estructurada en torno a la melodía.
Y la música melódica es, no hay duda, simplemente encantadora.
Pero en el siglo XX surgieron nuevas formas de articular sonidos donde la melodía ya no es el idioma ideal.
Música que en cierta medida nos obliga a estar dispuestos a explorar nuevas formas de belleza sonora ajenas a la tonalidad.
En la Sinfónica de Minería estamos comprometidos con ambos mundos.
Nuestro trabajo es interpretar a los grandes clásicos con un sonido de excelencia.
Nuestro trabajo es también difundir la música contemporánea y comisionar obras a personas compositoras mexicanas (por ejemplo, nuestro más reciente estreno fue Canto de Macario de Antonio Juan-Marcos).
El Centro Mexicano de Estudios Económicos y Sociales publicó un reporte en donde destaca a la Sinfónica de Minería como la orquesta más inclusiva de México y la que más jóvenes programa. Difundir música contemporánea es un trabajo que nos encanta.
Si tú tienes la percepción de que la música clásica contemporánea es fea, te invitamos a que hagas una prueba:
- Aquí te presentamos 5 obras de personas compositoras del último siglo.
- Intenta olvidar cualquier referencia sobre música clásica que tengas.
- Escúchalas con ganas de descubrir nuevas formas de belleza.
5 obras de música clásica contemporánea que hipnotizan
Al escuchar una obra de música clásica a veces el mejor camino es sólo hacerlo. Así, de inmediato, sin ninguna referencia extramusical. Aunque también resulta interesante saber sobre las ideas, convicciones, búsquedas, obsesiones y pasiones de las personas que las escribieron.
Por eso a continuación te compartimos una obra de música clásica contemporánea que hemos seleccionado por su capacidad de hipnotizar. Y aunque no vamos a darte demasiadas pistas, sí te ofrecemos un breve perfil de la persona compositora.
1. Meditaciones para Lía, de la mexicana Ana Lara
Ana Lara, compositora mexicana nacida en 1959, es reconocida por su exploración profunda y experimental en la música. Desde joven, su formación en el Conservatorio Nacional de Música fue impulsada por la guía de compositores innovadores como Mario Lavista y Daniel Catán, quienes le inspiraron a desafiar las convenciones sonoras tradicionales. Por ejemplo, en su obra inicial Hacia la noche, Lara emplea la flauta de manera no convencional, explorando timbres y texturas inéditas.
Posteriormente, su estancia en Polonia, donde aprendió bajo la influencia de compositores como Witold Lutoslawski, consolidó su inclinación por utilizar el sonido como único material compositivo, sin asociarlo a conceptos predefinidos. Lara evita las asociaciones tradicionales de instrumento y concepto, centrándose en la creación de atmósferas indefinidas y desarticuladas que profundizan la incertidumbre.
Cuando caiga el silencio es un ejemplo de su poética que abraza el misterio y la irresolución. En esta pieza, de acuerdo con el ensayo experto La poética de Ana Lara, no busca resolver las dudas a través de la música, sino expandirlas, creando paisajes sonoros que invitan a la introspección y el cuestionamiento constante.
2. Asteroide 4179: Toutatis, de la finlandesa Kaija Saariaho
Kaija Saariaho, compositora finlandesa nacida en 1952, es una figura clave en la música contemporánea. Su obra Asteroide 4179: Toutatis, compuesta en 2005 y estrenada en 2006 con la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Sir Simon Rattle, está inspirada en el asteroide Toutatis, conocido por su órbita inusual cercana a la Tierra y su rotación compleja. Saariaho se interesó en Toutatis por su peculiaridad rotacional, donde diferentes áreas giran a distintas velocidades y su orientación nunca se repite, reflejando un movimiento inestable y caótico.
La música de Saariaho en esta pieza captura esta inestabilidad y el misterio cósmico, a través de texturas orquestales densas y efectos sonoros que sugieren la trayectoria irregular del asteroide. En su estilo, Saariaho utiliza el sonido como material compositivo puro, explorando sus matices sin recurrir a narrativas tradicionales, lo que resuena con su interés en la naturaleza del sonido y su capacidad expresiva.
3. blue cathedral, de la estadounidense Jennifer Hidgdon
Jennifer Higdon, compositora estadounidense nacida en 1962, es conocida por su estilo emotivo y accesible que refleja una profunda conexión con la vida y la naturaleza. Su obra blue cathedral, estrenada en el 2000, ha sido interpretada más de 600 veces, lo que evidencia su resonancia universal. Esta pieza, concebida como un viaje espiritual y dedicada a la memoria de su hermano, combina contemplación, crecimiento y celebración de la vida.
blue cathedral (sí, con minúscula inicial), se caracteriza por una sonoridad expansiva y luminosa, evocando una catedral de vidrio en el cielo donde los oyentes se elevan, rodeados de nubes y un azul etéreo. En este espacio imaginado, el clarinete y la flauta representan a su hermano y a ella misma, respectivamente, en un diálogo que simboliza el ciclo de la vida y la conexión entre individuos.
4. In Tempus Praesens, de la rusa Sofia Gubaidulina
Sofia Gubaidulina, nacida el 24 de octubre de 1931 en Chistopol, en la antigua URSS, es una de las compositoras más influyentes de la música contemporánea, especialmente por sus exploraciones espirituales y sus innovaciones sonoras. Creció en Kazán, en una familia multicultural de raíces tártaras y rusas, lo cual impactó su visión artística al combinar elementos de Oriente y Occidente. Formada en composición en Moscú bajo la tutela de Vissarion Shebalin y más tarde influenciada por Alfred Schnittke y Dmitri Shostakovich, Gubaidulina desarrolló un lenguaje musical que combina la tradición con innovadoras técnicas modernistas.
A pesar de las restricciones de la URSS hacia su estilo vanguardista y espiritual, logró reconocimiento en Occidente con obras como Offertorium, un concierto para violín que mezcla influencias de Bach y Webern, estrenado en 1981 por Gidon Kremer. Su música se caracteriza por el uso de texturas complejas, simbolismo espiritual y una inclinación hacia formas experimentales, integrando desde música folclórica hasta técnicas electrónicas.
Sus obras, como Stimmen… Verstummen… y In Tempus Praesens, reflejan su profunda búsqueda de lo divino y lo humano, a menudo mediante combinaciones instrumentales inusuales que crean un paisaje sonoro místico. Considerada una de las grandes renovadoras de la música rusa, Gubaidulina continúa explorando el equilibrio entre métodos tradicionales y contemporáneos, otorgando a sus composiciones una resonancia espiritual única en la música actual.
5. Concerto venezolano, del cubano Paquito D´Rivera
Paquito D’Rivera, compositor y virtuoso cubano nacido en 1948, es una figura icónica en la música latinoamericana y el jazz. Su Concerto venezolano para trompeta y orquesta, compuesto para el trompetista venezolano Pacho Flores, es una vibrante obra que fusiona géneros y tradiciones musicales de América Latina. La pieza está inspirada en los paisajes y la alegría musical de Venezuela, al tiempo que refleja la difícil situación de su gente. El concierto, concebido como una fantasía en un solo movimiento, combina ritmos de merengue en 5/8 y un danzón cubano, cerrando con un enérgico joropo como símbolo de esperanza y perseverancia.
D’Rivera y Flores comparten una conexión cultural y un profundo respeto mutuo, que se traduce en una interpretación rica en emotividad y virtuosismo. Estrenado en 2019 en el Palacio de Bellas Artes en Ciudad de México bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto, el Concerto venezolano (sí, en italiano: “concerto”) se ha convertido en una obra emblemática del repertorio de Flores. En la Sinfónica de Minería lo grabamos en el álbum Estirpe y nos convertimos en la primera orquesta mexicana en grabar con la legendaria disquera Deutsche Grammophon de acuerdo a El País. No sólo eso, lo grabamos tan bien que la obra ganó un Grammy Latino en la categoría “mejor Composición clásica contemporánea”.
Por: Hugo Roca
