¿Cuál es la influencia de la música clásica en la popular? ¿De qué manera las posibilidades sonoras de una orquesta han impactado en un género como el rock n roll? Quizá la influencia más inmediata son los conciertos en vivo que grandes estrellas han realizado acompañados con agrupaciones sinfónicas, como los de Roy Orbison o Juan Gabriel. Sin embargo, también existen ejemplos donde la influencia es mucho más profunda y encontramos estructuras que abrevan directamente en procedimientos asociados con sonatas, conciertos y sinfonías, como por ejemplo en la música de Björk o Rufus Wainwright.  

Con la intención de celebrar las fusiones y exploraciones entre géneros que sólo enriquecen la composición musical, la Orquesta Sinfónica de Minería te ofrece este breve ensayo sobre Tommy (1969) de The Who, la primera ópera rock de la historia, que acompañamos al final con una guía práctica de canciones populares en donde una orquesta sinfónica juega un papel protagónico.  

Descubre Tommy de The Who, la primera ópera rock de la historia 

Los orígenes 

Inglaterra; de 1963 a 1967.- Rockers y Mods creen en lo mismo (libertad sensual y guitarras eléctricas) pero visten diferente (un R usa siempre el mismo chaleco negro de piel; un M combina telas de colores brillantes) y en nombre de sus vestidos se pelean en las playas de Brighton, a las afueras de Londres, al terminar sus clases de prepa los viernes por la tarde. Los Rockeres usan cuchillos y piedras; los Mods, ceniceros y palos de golf. Muchos sangran; a veces alguien muere. Esta guerra se extiende de la moda a la música pop y en la radio encuentra su símbolo más visible.  

La industria discográfica vive del sencillo; fabrica grupos y los manipula en el estudio. Opciones hay muchas (Boz´s Peoples Band, Merseybeats, Creaming Lord Stuch, Fortunes, Graham Bond Band, Spencer Davis Group o Small Faces) pero el sonido es uno; todos suenan a The Beatles. El rock se reduce a una canción única (corta y melódica, siempre ligera, con algo de provocativo, un tanto triste y un tanto cursi); su encanto no radica en la novedad sino en el espectáculo: La libertad creativa de las bandas se reduce a actitud y apariencia.  

En este mundo de teatro e imagen, Lennon y McCartney resultan aburridos. The Rolling Stones y The Who son las bandas más impresionantes en vivo;  construyen hipnóticas referencias extramusicales. Los Stones sirven a un dios sexual; Jagger canta y su voz se confunde en su cuerpo, de movimientos elásticos y frenéticos, para solicitar a través de todos sus miembros (húmedos labios, brazos abiertos, hinchadas las venas del cuello y los muslos tensos) lenguas y satisfacción. Los Who sirven a un dios salvaje, de malévola violencia; Pete Townshed destroza contra piso, techo y amplificadores guitarras de 200 libras, Roger Daltrey le da vueltas al micrófono como si manipulara un látigo, John Entwistle toca su bajo inmóvil mientras hace gestos satánicos y Keith Moon rocía su batería con gasolina y le prende fuego.  

Los Rockers siguen a los Stones y los Mods a The Who. Ahora se pelean en los conciertos a patadas y puñetazos. Sangran pero es raro que alguien muera. Se avecinan los setentas. Ya son universitarios y mengua su guerra: Hay Rockers que llevan camisas de colores bajo sus chalecos negros y Mods que prefieren a los Stones. Los otrora enemigos comienzan a confundirse en una misma generación de jóvenes ingleses que se están casando, quieren hijos, buscan trabajo y dejan de interesarse por el rock,  los sencillos y  la radio.  

Las disqueras, por lo tanto, pierden interés por el “sonido Beatles”, desechan a todas esas bandas que fabricaron para su producción y se enfocan en los nuevos adolescentes: Les preparan un sonido lejos del reino del blues y la guitarra eléctrica, de ritmos más bailables donde se adopten las nuevas tecnologías, como el sintetizador.   

Influencias de la música clásica en Tommy de The Who 

Es abismal el vacío de la ópera inglesa; salta del barroco a la modernidad sin escalas; después de Dido y Eneas (1689) de Henry Purcell (1659-1695), un silencio lírico de 256 años cubrió a la isla hasta que Benjamin Britten (1913-1976) estrenó Peter Grimes (1945) y propuso un lenguaje de raíces tonales pero con libertad para incorporar nuevas formas de articulación sonora.  

Ante una cultura del sencillo en declive y sin Mods o Rockers que lo busquen, el rock en Inglaterra ha perdido sentido. A Pete Townshed, guitarrista y compositor de The Who, se le ocurre proponerlo como opción alternativa a la de Britten: la ópera inglesa no tiene pasado, ¿por qué no el rock como su idioma nacional? 

A Pete le fascina contar historias mórbidas y psicológicamente complejas (como en “I´m a Boy”, sobre un niño al que sus padres visten de mujer) pero no tiene facilidad de rimar ni de inventar pegajosas melodías (su único éxito verdadero es “My Generation” de 1965). Además como guitarrista resulta limitado; sus solos son erráticos y pierde el ritmo constantemente.  

Estas debilidades lo obligan a experimentar con narraciones disonantes y fragmentadas (en 1966  escribe “A Quick One While He´s Away”, canción de nueve minutos dividida en seis partes sobre una mujer que llora la ausencia de su amante y es seducida por el maquinista Ivor) que terminan por convertirse en su mayor fortaleza cuando a principios de 1968  compone “Tommy”, la primer ópera-rock de la historia.  

En algunos dramas wagnerianos (enmarcados en la tradición operística alemana), los héroes (como Sigfrido y Parsifal) son elegidos para salvar el destino de humanos y dioses por su alma inocente y pura, capaz de perseguir un mandato con necedad y testaruda osadía. Pete retoma esta idea con humor ácido para componer una tragedia (escrita para batería, bajo, teclado, guitarra eléctrica, guitarra acústica, cantante de rock, coro masculino de cuatro integrantes y corno ) de hora y cuarto de duración,  dividida en obertura, dos intermezzos (“Sparks” y “Undertune”) y 21 cuadros que ofrecen las miradas de un narrador y 17 personajes en torno a la vida de Tommy Walker, un ciego-sordomudo cuyas habilidades en el pinball (que juega guiado por el sentido del olfato) lo convierten, durante el período entre las dos guerras mundiales, en el nuevo Mesías. 

Aunque alemana en su planteamiento, la ópera está estructurada de acuerdo a la tradición del romanticismo francés; su modelo concreto es la Carmen (1875)  de Georges Bizet (1838-1875): una sucesión de números brillantes con vida independiente pero cohesionados a la trama por búsquedas literarias comunes y motivos melódicos que se repiten.  

La coherencia dramática en Tommy  gira en torno al tema del destino (presentado en la obertura por el corno y retomado en el desarrollo, con algunas variaciones, por el teclado y la guitarra acústica), que consiste básicamente de dos partes (A de cuatro notas cortas y una larga; B de seis notas cortas y una larga) cuya expresión lúgubre y solemne recorre la narración a manera de trágica premonición.  

¿Cuál es la historia que narra la música de Tommy? 

La historia comienza con el coro (cuya función es comentar los acontecimientos, a la manera del antiguo teatro griego) que anuncia en la obertura la desaparición del capitán Walker en la Primera Guerra Mundial y cómo su esposa da a luz a su hijo Tommy con la tristeza de una viuda. Al poco tiempo ella se consigue un amante; de pronto, en 1921, el capitán regresa, descubre el adulterio y asesina al amante. Tommy, de cuatro años, lo ve todo y la impresión le clausura la vista, el oído y las palabras.  

A partir de este momento, la vida de Tommy es comentada por un narrador (“Amazing Journey”, donde revela detalles del niño como su vestido de color plateado brillante) y atormentada por una serie de siniestros personajes: el primo Kevin lo tortura (“¿sabes jugar a las escondidas?, tardarías una semana en encontrarme; pero atado a esa  silla no  irás a ninguna parte”); su tío Ernie lo viola (“me alegra que no puedas verme ni escucharme (…) te voy a quitar tu piyama”); y su papá, en su afán de sanarlo, lo lleva con la Reina del Ácido, quien para curarlo le inyecta heroína y lo obliga a comer pastillas de LCD.  

Ya adolescente, Tommy descubre el pinball y, de acuerdo con el testimonio de un jugador local (“Pinball Wizard”, la pieza más famosa de la ópera), su asombrosa capacidad de jugar por intuición olfativa le ha granjeado un grupo de fanáticos que los siguen ciegamente, como si fuera un Mesías y ellos sus discípulos.  

Desesperada por el mutismo de su hijo (“Tommy Can You Hear Me?”), quien pasa horas parado frente al espejo, la madre de Tommy rompe el vidrio (“Smash The Mirror”) y el estruendo hace que Tommy vea, escuche y hable. Entonces la narración de la ópera cambia con abrupción y Tommy (hasta entonces su única participación ha sido cantar para sí mismo el leitmotiv “veme, siénteme, tócame, sáname”) se convierte en la voz protagonista.  

La repentina curación se considera divina y Tommy es adorado como santo; comienza a dar sermones (“Sensation”) y lidera un movimiento religioso (“Welcome”) cuyos miembros deben taparse ojos, orejas y boca hasta encontrar dentro de ellos una luz plena y pura que los guíe hacia el camino del amor y la paz. 

En realidad, Tommy al recuperar todos los sentidos se vuelve un humano más, común y corriente, perverso y mentiroso, con vicios y manías, que bebe hasta sacar vino por la nariz y se junta con el tío Ernie  (“Tommy´s Holiday Camp”) en un anhelo pervertido por explorar de adulto los abusos sexuales que sufrió de niño. Sus seguidores lo desprecian, acusan de farsante, le gritan amenazas (“¡nunca te hemos creído, mereces ser violado!”) y lo abandonan.  

La ópera termina con Tommy solo, implorando al cielo que alguien lo vea, que alguien lo sienta, que alguien lo toque y que alguien lo sane.   

BREVE GUÍA SOBRE CANCIONES POPULARES EN DONDE UNA ORQUESTA SINFÓNICA ES PROTAGONISTA 

• Exogenesis: Symphony (Matthew Bellamy) – Muse
  Es una sinfonía dividida en tres movimientos que retoma el concepto de la panspermia (según explica Matt). Esta pieza que conjuga el rock con arreglos orquestales está inspirado en Rajmáninov, Strauss y Chopin.
  – Obertura: https://open.spotify.com/track/6zkhhG8iQ8waiwGkQuhoE1?si=c36b412261ec43af
  – Cross-pollination: https://open.spotify.com/track/39kUTBz4uJoy5VtmIybz9D?si=2913330c43d04b89 
  – Redemption: https://open.spotify.com/track/76ZDwA8uTyMys4LIS3pBUX?si=e8994fcf9aa74dce
• Cell growth, Semplice de Paul McCartney
  Pertenece al álbum orquestal de Paul McCartney publicado en 1997 y que interpreta la London Symphony Orchestra. El director fue Lawrence Foster y cabe mencionar que toda la música fue escrita por Paul. Asimismo, cuenta con secciones de coros bastante interesantes.
  https://open.spotify.com/track/5M8OL8IsBpHOcOibEXmeyS?si=e40c2d99f6604682
• I. Overture (John Petrucci, Mike Portnoy, John Myung, Jorgan Rudess) de Dream Theater
  Es la overtura del segundo CD de su álbum Six Degrees of Inner Turbulence. Cuenta con presencia de orquesta completa.
  https://open.spotify.com/track/5kPDzPXqyhvmMcGglOfxby?si=652415db33ec412e
• The 2nd Law: Unsustainable: (Matthew Bellamy) – Muse
  Forma parte de su álbum The 2nd Law del 2012 y conjuga el dubstep con orquesta sinfónica y arreglos corales. Vale la pena mencionar que la guitarra cuenta está distorsionada con Fuzze -al igual que el bajo- y hace uso de kaoss pad (dentro de la guitarra) y el pedal de whammy para los agudos.
  https://open.spotify.com/track/21lhern14mW8gwK2oOqMbP?si=a12b048c9fd44c2d

¿Conoces alguna otra canción que valga la pena mencionar?

¡Déjanos saber en los comentarios!